미국의 상속녀이자 주얼리 컬렉터 마조리 메리웨더 포스트가 까르띠에 주얼리를 착용한 모습.
2015년 여름, 매디슨 애버뉴의 FD갤러리를 취재했을 때의 일이다. 20세기 주얼리 컬렉션으로 뉴욕에서도 손꼽히는 이곳에서 가장 눈에 띈 것은 미국의 유명 상속녀이자 주얼리 컬렉터였던 마조리 메리웨더 포스트가 소장한 까르띠에 아르데코 팔찌였다. 갤러리 오너 피오나 드러켄밀러에게 주얼리 컬렉팅의 팁을 묻자 이런 답이 돌아왔다. “아르데코는 언제나 시장이 있다.”
월가의 펀드 매니저 출신다운 조언이었지만 당시는 흘려들었다. 그로부터 11년이 흐른 지금, 문득 그 말을 곱씹게 된다. 올해 반클리프 아펠은 <매혹적인 이집트 Fascinating Egypt>로 1920년대의 이집트풍 아카이브를 다시 소환했다. 어떻게 아르데코는 한 세기가 지나도 여전히 새로울까? 그 답을 찾아 1925년 파리로 거슬러 가봤다.
이집트풍 모티프의 반클리프 아펠 ‘이집션 패턴 (Egyptian Pattern)’ 브레이슬릿, 1924.
1925년 파리에서 열린 ‘현대 장식미술 및 산업미술 국제박람회’는 새로운 디자인이 한데 폭발한 무대였다. 오늘날 ‘아르데코(Art Déco)’라는 이름도 박람회명의 ‘장식미술(Arts Décoratifs)’에서 비롯됐다. 제1차 세계대전 이전 벨 에포크의 다이아몬드 주얼리가 꽃과 리본, 화환과 레이스의 섬세함을 좇았다면 전쟁 이후 풍경은 달라졌다. 새하얀 다이아몬드 옆에는 오닉스, 루비의 빨강 곁에는 에메랄드의 초록. 삼각형과 지그재그, 부채꼴 같은 기하학적 사이로 인도의 카빙 에메랄드와 중국의 비취, 이집트의 스카라베까지 파고들었다.
영감의 경계도 사라졌다. 발레 뤼스의 강렬한 원색부터 큐비즘의 분할된 화면, 기계와 마천루의 날카로운 선까지 모두 주얼리의 언어가 됐다. 1922년 투탕카멘의 무덤이 발견되자 스카라베와 연꽃, 상형문자가 패션을 뒤덮었고, 인도의 카빙 유색 보석 역시 주얼리 사이로 들어왔다. 1928년 파티알라의 마하라자가 부쉐론에 149점을 주문한 것도 같은 흐름이다. 아르데코의 새로움은 어울릴 것 같지 않은 것들을 거침없이 섞는 데 있었다.
반클리프 아펠 <매혹적인 이집트> 컬렉션의 ‘뮤즈 에테르넬’ 클립, 2026.
주얼리의 변화만큼 흥미로운 건 그것을 착용한 여성들이다. 제1차 세계대전 이후 파리에 등장한 신여성 ‘가르손’. 짧게 자른 머리와 가슴과 허리의 곡선을 감춘 일자형 드레스가 이들을 상징했다. 코르셋에서 해방된 몸 위에서 주얼리도 한층 더 대담해졌다. 짧아진 소매 아래 겹겹이 쌓은 팔찌, 짧은 머리 사이로 길게 늘어지는 귀고리와 허리까지 내려오는 소투아르까지 더해지면 아르데코의 존재감은 더욱 커진다.
1920년대 베니티 케이스는 1933년 반클리프 아펠의 ‘미노디에르’로 진화했고, 하나의 브로치를 둘로 나눠 착용하는 더블 클립 역시 1930년대를 대표하는 스타일로 자리 잡았다. 새로운 형태에는 새로운 커팅이 필요했다. 바게트와 트라페즈처럼 윤곽이 또렷한 컷이 사랑받았고 루비와 사파이어, 에메랄드는 디자인에 꼭 들어맞도록 칼리브레 컷으로 연마했다. 다이아몬드와 오닉스의 블랙 앤 화이트에 강렬한 유색 보석과 하드 스톤까지. 중요한 건 보석의 값보다 어떤 색과 형태를 만들어내느냐였다.
하지만 찬란한 시대는 오래가지 않았다. 1929년 대공황에 이어 1939년 제2차 세계대전이 발발하며 화려한 주얼리를 만들던 환경도 무너졌다. 그렇다고 아르데코의 시간이 끝난 건 아니었다. 1966년 파리 장식미술관의 <1925년의 시대 Les Années 25>전과 2년 뒤 출간된 베비스 힐리어의 책을 계기로 그 이름이 다시 수면 위로 떠올랐다.
중국풍 모티프의 까르띠에 링, 1925.
1970년대에는 까르띠에와 반클리프 아펠이 산호와 오닉스 주얼리를 다시 선보이며 한때의 유행은 수집 대상이 됐다. 그리고 2020년대, 하이 주얼리는 다시 그 시대로 향한다. 부쉐론은 2021년 <이스투아르 드 스틸, 아르데코>부터 파티알라 마하라자의 주문을 재해석한 <뉴 마하라자> <라이크 어 퀸>까지 3년 연속 1920~1930년대의 아카이브에서 새로운 이야기를 길어 올렸다. 마침 1925년에 시작된 박람회는 지난해 100주년을 맞았다. 파리 장식미술관에서는 <1925~2025, 아르데코 100년>전이 열리고, 카이로에서는 대이집트박물관이 정식 개관하며 투탕카멘의 유물이 한자리에 모였다.
그리고 올해, 그 흐름을 이어받듯 반클리프 아펠이 <매혹적인 이집트>를 꺼내 들었다. 약 180점의 컬렉션은 메종이 1920년대부터 축적해 온 이집트 주얼리와 드로잉 아카이브에서 출발한다. 대표작 <프린세스 뒤 닐 Princesse du Nil>의 원형은 이집트 왕실의 파이자(Faiza) 공주가 소장했던 1929년 플래티넘 · 에메랄드 · 다이아몬드 네크리스다. 바게트 컷 다이아몬드의 기하학적 골격과 에메랄드의 리듬은 올해 신작에도 선명하게 남아 있다.
이집트풍 모티프의 까르띠에 베네티 케이스, 1925.
라피스 라줄리와 터키석, 오닉스부터 스카라베와 연꽃, 파피루스까지. 과거의 복제가 아니라 100년 전 파리가 이집트를 바라봤던 색과 문양을 오늘의 기술로 새롭게 번역한 컬렉션이다. 아르데코 시대의 주얼러들 역시 자연을 사랑했다. 대신 있는 그대로 묘사하기보다 형태를 단순화하고 반복하거나 각지게 다듬었다. 그 흔적은 올해 샤넬과 까르띠에에서도 이어진다. 샤넬 ‘시뉴 에 생볼(Signes & Symboles)’의 ‘리옹 밀레네르’는 사자를 오닉스와 루비, 다이아몬드의 기하학으로 재구성하고, 까르띠에의 ‘올로라(Olorra)’는 에메랄드와 터키석, 라피스 라줄리를 병치해 아르데코 특유의 대담한 색채 감각을 불러낸다.
그렇다면 아르데코는 어떻게 오래 살아남았을까. 한 세기 전의 첫인상은 분명 파격이었다. 강렬한 색을 거침없이 섞었고, 그 변화 곁에는 코르셋을 벗고 새로운 삶을 선택한 여성들이 있었다. 하지만 파격도 결국 유행이 되고, 유행은 지나간다.
이집트풍 모티프의 까르띠에 링, 1928.
아르데코가 달랐던 건 오래된 것과 새로운 것을 동시에 바라봤다는 점이다. 수천 년 전 이집트의 스카라베가 기계 시대의 날카로운 직선과 만났고, 인도의 카빙 에메랄드는 플래티넘과 바게트 컷 다이아몬드 사이에 놓였다. 가장 오래된 것으로 가장 미래적인 것을 만든 셈이다. 바로 이 모순이 아르데코를 100년 동안 늙지 않게 한 힘인지도 모른다.
그러고 보면 2015년의 조언은 꽤 정확했다. “아르데코는 언제나 시장이 있다”고 했던 피오나 드러켄밀러는 2023년 까르띠에와 반클리프 아펠의 모기업 리치몬트 사외이사가 됐다. 11년 전 매디슨 애버뉴에서 마주했던 아르데코 팔찌와 올해 파리에서 공개된 하이 주얼리 사이에는 꼬박 한 세기가 놓여 있다. 100년 전 미래를 그렸던 아르데코가 다시 오늘의 주얼리 위에서 가장 동시대적 얼굴로 빛나고 있다.
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