로에베는 공예를 멈출 생각이 없다

그냥 물건과 공예품의 차이가 무엇인지 아시나요?
공예는 평범한 일상 속 물건을 예술의 경지로 끌어올립니다. 섬세한 손끝을 통해 재료의 물성에서 새로운 아름다움을 끄집어내죠. 그래서 공예는 기술과 예술이 섬세하게 맞닿아 있는 접점이자, 혼과 열정이 빛나는 영역으로 불리곤 해요.

공예가 주는 감동도 바로 그 접점이라는 특성에 있습니다. 시간이 지나도 손에 남는 온기, 만질수록 드러나는 고유의 결. 그 속에 담긴 전통과 문화의 이야기까지 담겨 있으니까요.



1846년 마드리드의 작은 가죽 공방에서 시작된 로에베는 창립 초기부터 장인정신을 브랜드의 중심으로 두었습니다.

하지만 본격적으로 공예에 대한 논의를 꺼낸 건 2013년 조나단 앤더슨이 크리에이티브 디렉터로 합류하면서부터였죠. 앤더슨에겐 20세기 영국 도자기를 수집하는 취미가 있었는데요. 합류 이후 브랜드의 방향성을 고민하던 중, 그는 로에베가 가진 유서 깊은 가죽 헤리티지가 공예와 만났을 때 흥미로운 시너지를 낼 수 있음을 직감합니다.



그의 열정은 이윽고 로에베 재단 공예상 창설로 이어집니다. 2016년에 처음 시작된 이 공예상은 세계 곳곳에서 공예의 진수를 보여줄 작가들을 발굴하고, 그들이 빚어낸 작품 속에 담긴 스토리를 전 세계에 알리고자 했어요. 상에 대한 관심이 매년 높아짐에 따라, 출품작의 수준도 더욱 다양해지고 실험적으로 변모했죠.

공예작 선정에 로에베가 가장 주목하는 부분은 두 가지입니다. 작가 나름의 공식을 가질 것, 현실에 존재하지 않던 화법으로 구사할 것.

조선의 말총공예 기법으로 바구니를 만든 정다혜부터 도자기에 예측할 수 없는 거친 돌기를 입힌 안드레스 안자까지. 로에베 공예상은 위 기준들을 상회하는 작품들을 소개하며, 이제는 전 세계에서 가장 권위 있는 공예 행사로 자리 잡았습니다.



로에베는 공예상을 한 시즌에 한정된 일시적인 홍보 전략으로 여기지 않습니다. 오히려 공예 섹션을 지속적으로 키워나가며 문화와 소비의 경계를 허물고, 브랜드의 정체성을 더욱 깊이 새겨가고 있는데요.

서울 플래그십 스토어인 까사 로에베 내부에 정다혜의 <A Time of Sincerity>와 타나베 치쿤타이 IV의 대규모 조각 작품을 녹이며, 공예와 패션이 공존하는 오프라인 공간을 구현한 것도 같은 맥락입니다. 밀라노 가구 박람회 살로네 델 모빌레 2024에 참가해 24인 아티스트와 협업한 램프 컬렉션을 선보인 건 물론이고요.




로에베가 전하는 메시지는 단순합니다. 장인이 손으로 빚어낸 공예가 오늘의 우리에게 감동을 주고, 내일에 대한 새로운 영감을 선사한다는 것. 그 감동과 영감을 품은 채 로에베는 오늘도 공예의 가치를 세상에 전하고 있습니다.